La figura humana en el arte moderno: deformada y geométrica

Si en un museo te paras frente a un cuadro de Picasso y piensas «esa cara está mal dibujada», tienes una reacción muy normal. Lo que toca entender es que no estaba mal dibujada: estaba dibujada así a propósito. Un pintor que podía hacer un retrato casi fotográfico decidió romper la figura humana porque tenía algo que decir que un retrato fiel no permitía.

A finales del siglo XIX y comienzos del XX, varios movimientos artísticos dejaron de preguntarse cómo copiar a la persona y empezaron a preguntarse qué se podía hacer con ella. Este tema ordena tres caminos: deformar la figura, descomponerla y geometrizarla.

Primer camino: la figura desproporcionada#

Desproporcionar es alterar a propósito las medidas del cuerpo, aunque se siga reconociendo a la persona. Un canon clásico pide que el cuerpo mida unas ocho cabezas; el arte moderno se permite romperlo.

En el expresionismo, la deformación sirve para transmitir un estado interior. El grito (1893), del noruego Edvard Munch, muestra una figura de rostro alargado y cuerpo ondulante que se sostiene la cabeza: la angustia se dibuja en la forma entera, hasta el paisaje que vibra detrás. El austriaco Egon Schiele estiró y retorció cuerpos con líneas nerviosas.

Otros artistas deformaron sin angustia. El italiano Amedeo Modigliani alargó cuellos y rostros hasta darles una elegancia casi de máscara. El escultor suizo Alberto Giacometti hizo figuras tan delgadas que parecen a punto de desaparecer. El colombiano Fernando Botero, por el contrario, infló los volúmenes: personas, animales y frutas de formas redondas y pesadas, con un humor inconfundible y raíces en la memoria de América Latina.

Lo que une a todos es la idea de que la proporción es una decisión, no una obligación. Se cambia el tamaño de una parte para decir algo: la cabeza grande para enfatizar el pensamiento, las manos enormes para el trabajo, el cuerpo delgadísimo para la soledad.

Segundo camino: la figura descompuesta#

Descomponer es romper la figura en partes y reorganizarlas. El principal movimiento es el cubismo, que Pablo Picasso y Georges Braque desarrollaron desde 1907 aproximadamente. En Las señoritas de Aviñón (1907), Picasso ya muestra rostros formados por planos angulosos y cuerpos que parecen hechos de fragmentos.

La idea es sencilla de explicar con un ejemplo cotidiano. Cuando miras a una persona, solo ves un lado de su cara; pero tu cerebro sabe cómo es de perfil, de frente y de tres cuartos. El cubismo pinta en un mismo cuadro el rostro de frente y la nariz de perfil, como si hubiera caminado alrededor de la persona y juntado todas las vistas. Lo que se muestra no es lo que se ve en un instante, sino lo que se sabe de ella.

Otros movimientos descompusieron el cuerpo para mostrar movimiento. El futurismo italiano repitió partes de la figura en secuencia, y Marcel Duchamp, en Desnudo bajando una escalera (1912), representa una sola persona en muchas posiciones sucesivas, como si fueran fotogramas superpuestos.

Tercer camino: la figura geometrizada#

Geometrizar es reducir el cuerpo a cilindros, conos, esferas, cubos y planos. Ya el cubismo lo hacía, pero otros artistas lo llevaron más lejos. El francés Fernand Léger construyó personajes de aspecto casi mecánico, con brazos y torsos que recuerdan tubos de metal. En la escuela alemana de la Bauhaus, Oskar Schlemmer diseñó figuras humanas de formas geométricas para un ballet, el Ballet triádico, en que los bailarines usaban trajes que los convertían en volúmenes.

Esta forma de mirar a la persona no es lejana a ti. Cuando haces un dibujo esquemático con círculo, rectángulos y líneas, estás hablando el mismo idioma, aunque con otro propósito.

Camino	Qué le hace a la figura	Artistas y movimientos	Qué busca
Desproporcionar	Altera medidas y proporciones	Munch, Schiele, Modigliani, Giacometti, Botero	Expresar emoción o una idea
Descomponer	Fragmenta la figura y la recompone	Picasso, Braque (cubismo); Duchamp	Mostrar varios puntos de vista o el movimiento
Geometrizar	La reduce a formas geométricas básicas	Léger, Schlemmer	Construir la figura como estructura

En Costa Rica#

Las ideas del arte moderno llegaron a Costa Rica y se mezclaron con la mirada local. Francisco Zúñiga, escultor nacido en San José y radicado en México, trabajó figuras femeninas de volumen grande y pesado, con un aire sereno que recuerda al arte monumental. Otros artistas nacionales, a partir de mediados del siglo XX, comenzaron a simplificar las formas y a trabajar la abstracción. Cuando mires obras de tu región, pregunta si la figura se copió con exactitud o si el artista decidió transformarla, y con qué propósito.

Técnicas mixtas semifigurativas y abstractas#

El programa también pide aplicar estas ideas en técnicas mixtas. Una obra semifigurativa conserva rasgos de la figura humana pero los transforma lo suficiente como para dejar de ser un retrato. Una obra abstracta ya no pide al espectador reconocer a nadie. Para trabajarlas conviene mezclar medios: papel recortado (collage), tinta, acuarela, crayón de cera, pastel.

Ejemplo resuelto: transformar una pose#

Ejemplo. Parte de una fotografía de un jugador de fútbol pateando un balón y haz tres versiones: una desproporcionada, una descompuesta y una geometrizada.

Solución.

1. Desproporcionada. Amplía el pie y la pierna que patean, reduce la cabeza y adelgaza el torso. Con esto, la fuerza del tiro es lo único que se ve.
2. Descompuesta. Dibuja al jugador en tres posiciones sucesivas (apoyo, impulso, golpe) superpuestas con transparencia, como hizo Duchamp con la escalera.
3. Geometrizada. Reduce el torso a un rectángulo, los muslos a cilindros, la cabeza a un óvalo y el balón a un círculo perfecto.

Después compara las tres: cada una destaca un aspecto distinto del mismo gesto.

Errores frecuentes#

• Pensar que el artista no sabía dibujar. Muchos dominaban el dibujo académico; la deformación fue una elección.
• Mezclar los tres caminos sin distinguirlos. Munch deforma, Picasso descompone, Léger geometriza. Se confunden porque a veces coinciden en una misma obra.
• Creer que moderno significa «reciente». Se refiere a un periodo y a una actitud de ruptura, que comenzó hace más de cien años.
• Deformar sin intención. Si cambias una proporción, debes poder explicar qué quieres decir con eso.

Cómo practicarlo#

Haz un autorretrato rápido en lápiz. Luego rómpelo: dibuja la misma cara con los ojos demasiado grandes, otra con planos angulosos y una tercera con solo círculos y triángulos. Escribe una frase debajo de cada versión sobre lo que expresa.

Ponte a prueba#

¿Por qué Munch deforma la figura en El grito?#

¿Qué quiere mostrar el cubismo al pintar un rostro de frente con la nariz de perfil?#

Explica la diferencia entre desproporcionar y geometrizar una figura.#

¿Qué recurso usó Duchamp en Desnudo bajando una escalera para representar el movimiento?#

Una obra mantiene rasgos de una persona pero ya no es un retrato. ¿Cómo se llama y por qué?#

Fuentes#

• Ministerio de Educación Pública — Programa de estudio de Artes Plásticas, III ciclo (MEP, Costa Rica) (PDF)