Cuerpo y emociones en el arte contemporáneo: Frida, Sherman y más

En el bus de las seis y media hacia San José, casi todos los de tu edad hacen lo mismo: sacan el teléfono, se miran en la cámara frontal, ladean la cabeza, bajan un poco la barbilla y se toman una foto. Algunos la repiten cinco veces hasta que sale «como uno es». Sin darse cuenta, están haciendo lo que los artistas llevan siglos haciendo: decidir cómo se muestra un cuerpo y qué emoción debe verse en él.

Lo que cambió en el arte contemporáneo es el punto de partida. Durante siglos, un retrato buscaba que la persona se viera noble y serena. Hoy muchos artistas usan el cuerpo para hablar de lo que duele, de lo que se calla, de cómo nos miran los demás o de cómo nos miramos nosotros. El cuerpo ya no es solo un modelo que se copia: es el tema, y a veces es también el material.

De la figura ideal a la figura vivida#

La tradición académica enseñaba un cuerpo ideal: piel pareja, músculos armoniosos, gesto contenido. Si pintabas a una campesina, se la dibujaba tan elegante como a una dama de ciudad. El arte contemporáneo rompió esa regla. Un cuerpo puede aparecer cansado, enfermo, envejecido, fragmentado o hasta ausente, y aun así comunicar mucho.

Piensa en la diferencia entre la foto del carné y la foto que le toma tu tío a tu abuela mientras ella pela chayotes en el patio. La primera es neutra y sirve para identificar. La segunda tiene manos arrugadas, una luz particular, un gesto que solo ella hace. Esa segunda mirada es la que busca el arte contemporáneo: la persona concreta, no el modelo genérico.

Tres maneras comunes de trabajar el cuerpo hoy:

• El autorretrato como confesión. El artista se retrata para contar su historia, no para lucirse.
• El cuerpo como escenario. La obra ocurre en el cuerpo: performance, maquillaje, tatuaje, gesto, vestuario.
• El cuerpo como síntoma social. Se muestra lo que la sociedad le impone: cánones de belleza, uniformes, roles de género.

Emociones: cómo se dice lo que se siente sin escribirlo#

Una emoción no está solo en la cara. En artes plásticas se comunica con varios recursos a la vez, y conviene reconocerlos para analizar cualquier obra:

• El gesto y la postura: hombros caídos, manos apretadas, mirada que no encara al espectador.
• El color: fríos y apagados para la soledad o la tristeza, cálidos y saturados para la rabia o la euforia. No es una ley, es una tendencia que cada artista usa o contradice.
• La escala y el encuadre: un rostro que ocupa toda la tela incomoda; una figura diminuta en un espacio enorme comunica aislamiento.
• La textura y la pincelada: una pincelada violenta, borrosa o cuidadosa dice cosas distintas sobre el mismo tema.

Ejemplo. Frida Kahlo pintó muchos autorretratos. En Las dos Fridas (1939) aparece dos veces, sentada de la mano consigo misma, con los corazones a la vista y unidos por una vena. No pinta un rostro que llora; pinta una división interior. La emoción vive en la composición completa, no en una lágrima.

Individualidad: nadie se ve igual que otro#

Individualidad significa lo que hace única a una persona. Para los artistas contemporáneos, mostrarla es una decisión política y personal a la vez. Cindy Sherman, fotógrafa estadounidense, se disfraza y se fotografía como distintos personajes femeninos, por ejemplo en su serie Untitled Film Stills, que empezó en 1977. Nadie duda de que es ella la que aparece, pero lo que muestra son los estereotipos con que la sociedad suele ver a las mujeres. Su cuerpo se vuelve un laboratorio de identidades.

En performance, la artista Marina Abramović llevó el cuerpo al límite de la presencia. En The Artist Is Present (Museo de Arte Moderno de Nueva York, 2010) permaneció sentada en silencio, durante meses, frente a quien quisiera sentarse enfrente y mirarla. La obra no tiene pincel ni lienzo: es un cuerpo que mira y otro cuerpo que se deja mirar. Mucha gente lloró sin saber por qué.

La artista francesa Orlan, por su parte, usó cirugías estéticas como obra, para cuestionar quién decide cómo debe verse una cara. No hace falta estar de acuerdo con ella para entender la pregunta que planteaba.

Las dimensiones de la figura humana#

Falta ver las dimensiones de la figura, es decir, cómo se mide y se organiza un cuerpo cuando se dibuja o se esculpe.

Proporción#

Es la relación entre las partes. Un canon muy usado en dibujo toma la altura de la cabeza como unidad: un adulto mide cerca de siete cabezas y media u ocho, los niños menos (un niño pequeño ronda las cinco), y por eso su cabeza se ve más grande respecto al cuerpo. Es una guía, no una ley: cada cuerpo se aparta de ella, y muchos artistas contemporáneos exageran o rompen la proporción a propósito para expresar algo.

Escala#

Es el tamaño de la figura en la obra respecto al tamaño real. Puede ser natural (la figura mide lo que una persona), monumental (mucho mayor, como los monumentos de las plazas) o reducida (miniaturas, muñecos). Una escala monumental impone; una reducida invita a mirar de cerca.

Punto de vista, escorzo y movimiento#

El escorzo es una figura vista en perspectiva fuerte, por ejemplo un brazo que apunta hacia ti y se ve corto por la perspectiva. Dibujar un cuerpo desde abajo lo vuelve poderoso; desde arriba, frágil. El movimiento se sugiere con diagonales, con la ropa que vuela o repitiendo la figura en varias posiciones, como en una secuencia fotográfica.

Elementos sociales en la figura#

Un cuerpo nunca aparece sin contexto. La ropa dice oficio y clase social: un delantal, un uniforme, un traje. Los objetos que sostiene dicen a qué se dedica. El fondo dice dónde está. Cuando analices una obra, pregunta qué grupo, qué comunidad o qué época se deja ver a través de ese cuerpo.

Barbara Kruger, artista estadounidense, pone sobre fotografías de cuerpos frases directas, como Your body is a battleground («Tu cuerpo es un campo de batalla», 1989), para hablar de quién tiene poder sobre las decisiones del cuerpo de una mujer. Aquí el cuerpo ya es argumento político.

Errores frecuentes y cómo practicar#

Mucha gente confunde autorretrato con retrato fiel. Un autorretrato contemporáneo no tiene que parecerse a ti; tiene que decir algo verdadero sobre ti. Otro error es creer que la emoción está solo en la expresión de la cara. En una buena obra aparece también en la postura, el color y el encuadre. Y un tercero: pensar que «cuerpo bello» significa «cuerpo bien dibujado». Un cuerpo torpe de proporciones puede ser la decisión más acertada de la obra.

Para practicar en casa:

1. Haz tres bocetos rápidos de tus propias manos: relajadas, apretadas y abiertas. Anota qué emoción comunica cada una.
2. Toma una foto de un familiar haciendo una tarea cotidiana y busca qué dice su postura sobre su carácter.
3. Dibuja un autorretrato sin mirarte la cara: solo con objetos que te representen y una pose significativa.
4. Redibuja una misma figura en dos escalas distintas y compara cómo cambia lo que transmite.

Ponte a prueba#

¿Qué diferencia hay entre un autorretrato tradicional y uno contemporáneo como los de Frida Kahlo?#

Menciona tres recursos, además del rostro, con los que una obra comunica una emoción.#

Un adulto mide unas siete cabezas y media. Si en un dibujo la cabeza mide 20 cm, ¿cuánto medirá aproximadamente la figura completa?#

¿Qué significa que el cuerpo sea escenario en la performance? Pon un ejemplo.#

¿Por qué Barbara Kruger escribe frases sobre fotografías de cuerpos?#

Fuentes#

• Ministerio de Educación Pública — Programa de estudio de Artes Plásticas, III ciclo (MEP, Costa Rica) (PDF)