Historia de la música occidental del siglo XX y XXI

En 1952, en un teatro del estado de Nueva York, un pianista llamado David Tudor se sentó frente al piano, cerró la tapa del teclado y no tocó nada. Pasó el tiempo que marcaba el reloj, abrió la tapa, la cerró otra vez, y así tres veces. La pieza se llamaba 4’33” y la había escrito John Cage. Parte del público se enojó. Otra parte entendió algo: mientras nadie tocaba, se oían la ropa, las toses, la lluvia en el techo. Cage proponía que eso también era música.

Ese episodio resume el siglo XX. Durante trescientos años, la música occidental había dado por sentado que existían notas, escalas y reglas armónicas más o menos fijas. En cien años, los compositores se preguntaron si todo eso era obligatorio. Esta lección recorre esa historia y explica cómo cambió la forma de escribir la música para poder registrarla.

Los elementos del sonido, vistos de otro modo#

Los elementos constitutivos de la música son los mismos de siempre: altura (qué tan grave o agudo), duración (cuánto dura), intensidad (qué tan fuerte o suave) y timbre (el color del sonido, lo que distingue a un violín de una flauta). A ellos se suman el ritmo, la melodía, la armonía y la forma. Lo nuevo en el siglo XX es que cada uno se estira. Las alturas ya no tienen por qué pertenecer a una escala conocida. El timbre sube de importancia, y a veces es lo principal de la obra. La duración puede medirse en segundos y no en compases.

Las corrientes principales#

Recuerda que nunca hubo una sola música del siglo XX. Convivieron muchas, y se mezclaron. Estas son las que aparecen con más frecuencia en el programa:

Corriente	Idea central	Nombres y obras que debes ubicar
Impresionismo (hacia 1900)	Atmósferas, colores sonoros, escalas distintas a la mayor y menor	Claude Debussy, Preludio a la siesta de un fauno (1894); Maurice Ravel
Expresionismo y atonalidad	Se abandona el centro tonal; disonancia sin resolver	Arnold Schönberg
Dodecafonismo y serialismo	Las doce notas se usan en un orden fijo (serie) sin privilegiar ninguna	Schönberg, Alban Berg, Anton Webern
Neoclasicismo	Vuelta a formas claras del pasado con lenguaje moderno	Igor Stravinsky
Nacionalismo	Uso de melodías y ritmos populares de cada país	Béla Bartók
Música concreta y electrónica	Sonidos grabados o producidos con aparatos, no con instrumentos tradicionales	Pierre Schaeffer, Karlheinz Stockhausen
Música aleatoria	El azar o el intérprete deciden parte de la obra	John Cage
Minimalismo	Pocos materiales, repetición y cambios graduales	Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass

De Debussy a la serie de doce sonidos#

Debussy abre el siglo con un sonido sin tensión dramática: acordes que no empujan hacia ninguna parte, sino que flotan. Es impresionismo. Pocos años después, Schönberg da un paso más radical: en vez de un tono principal, ninguna nota manda. Eso se llama atonalidad. En los años veinte formaliza un método, el dodecafonismo: ordenas las doce notas de la escala cromática en una serie, y no repites una nota hasta que han salido las otras once.

Ejemplo. Una serie posible empieza Do, Re bemol, Mi, Fa sostenido, y así hasta completar las doce. Después se puede tocar al revés (retrógrado) o invertir los intervalos (inversión). Esa serie es la materia prima de toda la obra, como un tema, pero sin centro tonal.

Ritmo, folclor y otras raíces#

Mientras tanto, Stravinsky escandalizaba a París con La consagración de la primavera (1913), donde el ritmo irregular y brutal pasa al primer plano. Bartók recorría Hungría con una grabadora de cilindros, anotando canciones de campesinos, y las convertía en música de concierto. Aquí se ve una conexión con lo que estudiaste en la primera unidad: partir de la cultura tradicional para crear obra nueva es una de las vías de la música moderna. En paralelo, el jazz nacía en Estados Unidos y le daba al siglo una música nueva con raíces afroamericanas.

Después de 1945: la música y la tecnología#

La Segunda Guerra Mundial deja a Europa en ruinas, y los jóvenes compositores quieren empezar de cero. El serialismo se extiende a todos los elementos del sonido: no solo las alturas, también las duraciones y las intensidades. Surge la música concreta (Pierre Schaeffer, hacia 1948), hecha con sonidos grabados y manipulados en cinta. Después viene la música electrónica, con sonidos creados por aparatos. Cage lleva el azar a la composición: tira monedas, usa el piano preparado con objetos entre las cuerdas y escribe 4’33”.

En los sesenta y setenta, el minimalismo responde al exceso de complejidad con pulsos repetidos y cambios muy lentos, como In C de Terry Riley (1964) o Music for 18 Musicians de Steve Reich (1976). A la vez, el rock, el pop y las músicas populares se convierten en la música de masas, con instrumentos eléctricos y grabación en estudio.

El siglo XXI#

Hoy la computadora es un instrumento más. Con un programa de grabación y edición (lo que se llama estación de trabajo de audio digital) un compositor escribe, graba, mezcla y publica desde su casa. Los límites entre géneros se borraron: una pieza puede mezclar orquesta, sonidos del ambiente y sintetizadores. La música para cine, videojuegos y publicidad es hoy uno de los campos donde más compositores trabajan. Lo que se mantiene es la pregunta de fondo que planteó Cage: qué cuenta como música.

La notación musical contemporánea#

Si el sonido cambia, la partitura también. El sistema tradicional de pentagrama, claves, figuras y compases sigue en uso, pero no alcanza para todo lo que los compositores quieren pedir. Por eso aparecieron recursos nuevos:

• Notación proporcional: la duración se expresa por la distancia horizontal en la página, o directamente en segundos.
• Notación gráfica: dibujos, líneas y formas que el intérprete debe traducir a sonido, con cierta libertad.
• Clusters: varias notas vecinas tocadas a la vez, que se indican con un bloque sobre el pentagrama o una indicación escrita.
• Técnicas extendidas: sonidos poco habituales del instrumento (golpear la caja, soplar sin sonido, rasgar las cuerdas del piano), que se anotan con símbolos propios y una leyenda al comienzo de la partitura.
• Partitura de electrónica: indica cuándo entra el sonido grabado o procesado, con una línea de tiempo.

Cuando un compositor usa signos inventados, siempre explica su significado en una leyenda. Es parte del sistema: sin esa leyenda, el intérprete no podría tocar la obra.

Errores frecuentes#

• Decir que la atonalidad «es música sin reglas». Tiene reglas, solo que distintas; el dodecafonismo es muy estricto.
• Confundir música concreta (sonidos grabados del mundo real) con música electrónica (sonidos generados por aparatos).
• Creer que una corriente reemplazó a la anterior. Convivieron, y un mismo compositor pudo pasar por varias.
• Pensar que el siglo XX abandonó la tradición. Bartók y Stravinsky la usaron como fuente.

Para practicar, escucha cinco minutos de Debussy y cinco de Reich seguidos. Anota qué cambia en el uso del ritmo, el timbre y la repetición. Esa comparación vale más que una definición memorizada.

Ponte a prueba#

¿Qué es el dodecafonismo y quién lo formalizó?#

Diferencia música concreta y música electrónica.#

¿Por qué <em>4’33″</em> de John Cage se considera una obra importante aunque el intérprete no toca ninguna nota?#

Nombra dos recursos de la notación contemporánea y explica para qué sirven.#

¿Qué conexión hay entre Béla Bartók y la cultura tradicional?#

Fuentes#

• Ministerio de Educación Pública — Programa de estudio de Educación Musical, Educación Diversificada (MEP, Costa Rica) (PDF)